Ich habe davor schon mit Samples und Effekten herumgespielt und vor allem auch in Richtung Ambient einiges produziert. Aber das waren eher kurze Annäherungsversuche. Während den Lockdowns habe ich mich zum ersten Mal mit Musikproduktion auseinandergesetzt, mit dem Ziel etwas herauszubringen.

Die Gitarre, Schlagzeug etc. sind MIDI-basiert eingespielt worden, die Drums wurden von Dun designed. Durch die forcierte Ruhe und Entschleunigung durch Covid hat sich einiges an angestauter Energie durch die Musik entfacht. Ich glaube das erklärt auch den Richtungswechsel im letzten Jahr — da sich alles angefangen hat wieder normaler anzufühlen, ist auch mein Sound wieder ruhiger geworden.

Ja, für mich ist Musik sogar primär ein Ventil. Ich strebe damit keine ernsthafte Berufung an, oder träume davon, auf großen Stages zu spielen. Ich freue mich aber natürlich, wenn sich daraus etwas ergibt.

Beides spielt seinen Part. Das Produzieren ist der wichtigere. Da setzt man sich mit gewissen Themen auseinander, introspektiert. Die Sounds in die Welt rauszusetzen kann sich befreiend anfühlen, und das Feedback bei der weiteren Reflexion helfen, aber als essentiell sehe ich es nicht an. Ich habe in diesem Jahr wahrscheinlich über 50 Tracks produziert, die nur enge Freunde zu hören bekommen.

Ich stehe immer schon auf kurze Namen — siehe Amen —, und finde es oft schwer mich mit Wortneuschöpfungen zu identifizieren. Der Name hat für mich keinerlei Verbindung zur Jagd an Tieren, was manche Leute womöglich denken, sondern soll eher die abstraktere Bedeutung von “jagen” – also das Suchen und Verfolgen von etwas widerspiegeln. Ich denke, dass jeder Release etwas von einer kleinen Jagd hat.

Das Label befindet sich in einem Zwischenstadium. Es gab einige Überlegungen und auch schon Aktionen meinerseits es zu relaunchen, in einem zeitloseren und analogeren Format, aber mir fehlt gerade die Zeit dafür. Das Label sucht derzeit nicht aktiv nach spannenden, neuen Musiker:innen und Releases, aber dient noch immer als Plattform für v.a. für lokale Musiker:innen. Anfang 2023 wird es auch einen Wiener Release geben.

Indirekt ja. Ich habe zusammen mit Dasychira und QUALIATIK, die das Label gegründet haben, vor mehreren Jahren in Wien in einem Club gespielt. Daraufhin waren sie auch zu Gast bei meiner damaligen Radioshow ‘Palmless’ auf Radio Orange. Wir haben uns sehr gut verstanden und ich habe den beiden auch über mein geplantes Musikprojekt als ‚Hunt’ erzählt. Sie waren, denke ich, neben M.E.S.H. die ersten die diesen Alias kennengelernt haben. Daran habe ich mich bei der Labelsuche erinnert, und sie daraufhin kontaktiert.

Da ich schon eine EP auf AMEN released habe und das Label auf Stand-By war, suchte ich nach neuen, kleineren aber spannenden Labels für meinen nächsten Release. Dabei kam ich mit mehreren Labels ins Reden. Mir ist jedoch aufgefallen, dass mir der Bezug zu diesen, außerhalb von Wien positionierten Labels gefehlt hat. Bei unseelie gab es ja schon irgendwo eine Connection. Daher habe ich mich doch entschieden mit jemand Lokalem zu arbeiten. Chris und ich haben auch schon zusammen musiziert und uns öfter mal über Musik und das Environment ausgetauscht, daher war Plot Toy sehr naheliegend.

Ja, den ersten Track, ‘2908 (As If Enchanted Lives In Me)’ habe ich einen Monat nach dem Album in einer stundenlangen Session fertig gemacht. Ich denke viele Produzent:innen fokussieren sich nach einem Release auf Live-Konzerte und sonstige Gigs, die im Zusammenhang mit dem Release stehen. Ich war mir damals einerseits nicht sicher, ob ich Konzerte überhaupt anstreben will, und andererseits habe ich keinen finanziellen Druck, der mich in diese Position zwingen würde, da Musiker zu sein nicht mein Beruf ist. Ich mache Musik weil es mir Spaß macht, mich therapiert, und weil es ein Ventil für meine irrationale Seite ist. So gab es für mich auch keine strategischen Pausen oder sonstiges in diese Richtung. Es ging eigentlich gleich weiter mit dem Produzieren. Ich glaube, dass ich mit ‘2908’ die Quintessenz des Albums eingefangen und poliert habe. Es dient auf jeden Fall als eine Brücke zwischen dem Album und meinem neuen Release.

In meinen ersten beiden Releases habe ich viel mit analogen Synthesizern gearbeitet. Bei dem letzten Release habe ich sehr viel mehr digital produziert, dabei verwende ich Ableton und diverse Plugins.

Ich verbinde Musik immer schon mit diesen Ebenen. Wenn ich einen Song richtig, richtig gut finde, dann ermöglicht er mir einfaches Tagträumen. Vielleicht finde ich auch Songs, die mir das ermöglichen richtig, richtig gut. Ob Henne oder Ei, es hat Sinn für mich gemacht dieses Phänomen in meiner eigenen Produktion zu erkunden. Was ich z.B. bei Proust ganz spannend finde, ist die ‘Madeleine Episode’, in der der Hauptcharakter in diesen Kuchen beißt und plötzlich in eine Welt seiner vergessenen Erinnerungen katapultiert wird, die er mit diesem Geschmack assoziiert. Genau so verbinde ich Musik mit Erinnerungen, die in Tagträumen durch die Musik eine neue Repräsentation oder Interpretation erhalten können und manchmal ohne diesen auditiven Trigger auch einfach irgendwo im Unterbewusstsein unentdeckt blieben. Gesang, Melodie, Töne: Musikalische Elemente werden zu abstrakten Speichermedien für Emotionen und Erinnerungen. Mit meinem Album habe ich versucht diesen Prozess umzukehren, und meinen Tagträume einen OST zu verpassen.

Ich denke, dass sich sein Konzept der ‘Lost Futures’ für meine Generation gerade in den letzten Jahren immer mehr als Realität herauskristallisiert hat und in irgendeiner Form in der Musik meiner Generation mitresoniert. Für mich spielt es eine große Rolle. Die Hoffnungen und Träume der Zukunft formen auch oft die Erinnerungen an das Vergangene. Heidegger spricht vom ‘Sein-zum-Tode’, der Relation zwischen dem Dasein und dem Bewusstsein dessen Todes, und wie dieses Bewusstsein eines zukünftigen Ereignisses unser Leben zeichnet und eigentlich schon immer präsenter Teil davon ist. Gerade Jugendliche werden zurzeit zusätzlich mit einer düsteren Zukunft für sie – dem Tod des Planeten – konfrontiert, und ich kann mir kaum vorstellen, dass man so etwas Monumentales nicht im kreativen Output zu spüren bekommt. Diese Angst schwingt mit im Dasein.

Ich denke gerade in meinen ersten Produktionen waren Isolation und Einsamkeit Pandemie bedingt ein großes Thema. In den letzten Releases entsteht dieses Gefühl aber, vermute ich, eher daraus, dass meine Musik unterschwellig Intimität kommuniziert. Anstatt heartbroken Lyrics sind in meiner Solo-Arbeit weniger offensichtliche Ausdrücke von Emotionen zu finden – in Melodien, Loops und manchmal auch einem einfachen Rauschen, bevor der Bass rein kickt. Mir als Hörer gibt das oft ein Gefühl von Melancholie und Einsamkeit, vielleicht weil man eher eine unterbewusste Verbundenheit zu den Tracks herstellen kann, und so wieder mit seinen eigenen Interpretationen alleine ist. Aber irgendwo ziele ich natürlich auch darauf ab, dass meine Musik bestimmte Emotionen auslöst.

Ich habe das Motiv fürs Cover zusammen mit der Illustratorin Vera Davidovic entworfen. Eigentlich hatten wir nach meiner Beschreibung des Albums einfach dieselbe Idee, ohne uns gegenseitig beeinflusst zu haben. Der Albumtitel soll ja ein Treffen in einer Traumwelt wiedergeben. Die Idee von zwei Vertrauten war da, der Rest ist sehr intuitiv entstanden.

Ich habe früher vor allem in der Musikbranche einiges an Freelance-Grafik gemacht, und auch viele AMEN Cover designed. Ich würde aber nicht sagen, dass ich mich noch damit identifizieren kann. Ich sehe Releases immer als Gesamtkonzept — das Cover und die Titel sind für mich fast genau so wichtig wie die Musik. Ich kenne einige Alben, die sich nochmal richtig anders anfühlen und sogar anhören, wenn ich sie mit dem Cover vor mir liegen habe.

Ich bin ein extrem visueller Denker. Musik ist dadurch für mich immer mit etwas Grafischem verbunden, egal ob als Produzent oder Konsument.

Für mich hat der Titel etwas von beidem – Perspektivlosigkeit, aber auch etwas Hoffnungsvolles. Ich selbst tue mir oft schwer im Moment zu leben, das erklärt wahrscheinlich auch warum ich mich musikalisch mit den genannten Themen auseinandersetze.

Der Titel “2908” kommt eigentlich vom Datum ohne Jahr, also 29.08. In der Nacht habe ich den Track in einer stundenlangen Session ohne Pausen produziert, in einem sehr aufgewühlten Zustand. Das Produzieren hat mir geholfen, meine Gefühle zu ordnen. Da der Track meinen innerlichen Zustand dieses Datums einfängt, wollte ich es so im Titel einbrennen, wie Leute das Datum an dem sie zusammengekommen sind, in ein Schloss ritzen und auf einer Brücke verewigen. Nächstes Jahr an diesem Tag will ich den Track nochmal hören und bin gespannt, was das in Bezug zu den damaligen Emotionen auslösen wird. Zurück zum Thema: Ich denke die spekulativen Elemente von Sci-Fi Literatur und Film, und sogar Musik — ich denke da z.B. an Hans Zimmer, der sich für ‘Dune’ vorstellen musste, wie Musik in der Zukunft klingen könnte — sind allgemein eine Inspiration für mich.

Ja, obwohl in meiner Musik meine irrationale und emotionalere Seite zur Geltung kommt, bin ich die meiste Zeit ein sehr analytischer und rationaler Mensch, für viele ein Nerd. Ich finde es spannend, wie technologischer Fortschritt Musik formt, und was für Sounds daraus entstehen werden. Es wird einerseits immer leichter, elektronische Musik zu produzieren, Software automatisiert so ziemlich jeden Bereich der Musikproduktion, andererseits wird es genau dadurch noch schwieriger sich abzuheben und innovativ zu sein. Ich finde gerade in den Pandemiejahren haben wir mit dem hauntologischen Y2K Revival eine ziemliche Innovationsflaute durchlebt. Ich hoffe, dass das restliche Jahrzehnt uns mit etwas neuem überrascht.

Ich glaube, dass die Gesellschaft sich in den letzten Jahren vergleichsweise zu den pre-2000ies viel mehr mit Verwundbarkeit, Offenheit und Bewusstsein auseinandergesetzt hat. Diese Strömungen sieht man in allen kulturellen und sozialen Bereichen. Vor allem die Corona Pandemie hat das Thema Verwundbarkeit und Mental Health sehr normalisiert. Gleichzeitig wird es auch immer leichter, kreativen Output zu haben und zu teilen. Statt weinend unter der Dusche zu singen, recorded man heutzutage lieber etwas im Bedroom-Studio und teilt es unter Pseudonymen auf den sozialen Medien. Dieses “in die Welt setzen” kann einen sehr therapeutischen Effekt auslösen.

Für mich sind viele meiner Tracks in diesem Sinne auch Hoffnungsträger. Würde ich nur eine düstere Zukunft vermitteln wollen, würde ich mich in anderen Genres austoben. Ich hoffe dass gerade atmosphärische Musik dazu anregen kann, zu spekulieren und zu träumen. Aber produzieren mit einer ‘Mission’ im Hinterkopf tue ich nicht. Das Konzept erarbeite ich für mich selbst und hoffe, dass jemand anderes dann etwas damit anfangen kann.

Da gibt es kein wirkliches Rezept dahinter. Oft entfaltet es sich langsam, über Wochen hinaus in meinen Gedanken. Natürlich spiegeln die Themen der Releases wider, mit was für Fragen und Emotionen ich mich in der Zeit auseinander gesetzt habe. Das ist vermutlich der Hauptantrieb dahinter.

Ich habe darüber noch nie so bewusst nachgedacht, aber das Tempo ist ein guter Punkt. Vor allem sind die Trance Elemente die mich interessieren eher die Nostalgie des Klangs und der Melodien, und nicht der treibende Bass oder der schnelle 4×4 Beat. Ich persönlich höre in den letzten Jahren in meiner Freizeit fast ausschließlich entschleunigende Musik, als Gegenpol zur akzelerierenden digitalen Welt, die uns den ganzen Tag begleitet. Ich glaube auch, dass bestimmte Tempo-Ranges besser und schlechter geeignet sind für diesen therapeutischen Effekt. Je nachdem was man verarbeitet.

Ich werde auf jeden Fall das Album und meine neue EP mitbringen und vermutlich auch ein paar unveröffentlichte Sachen spielen. Da es mein erster Auftritt als Hunt ist, wird es auf jeden Fall eine neue Erfahrung für mich und hoffentlich auch für die Zuhörer:innen spannend.